Новая арт-инсталляция скоро появится и в московском районе Хамовники. ИНТЕРЬЕР+ДИЗАЙН и девелоперская компания Capital Group инициировала профессиональный конкурс «Жизнь в искусстве». В рамках состязания художники и скульпторы, дизайнеры и архитекторы представляют проект скульптуры, арт-инсталляции и малой архитектурной формы для клубного дома White Khamovniki. Лучшими по итогам конкурса будут признаны работы, которые пройдут два этапа отбора.
Первый из них — открытое голосование на странице конкурса. Выбрать понравившийся проект можно до 22 июня. Следующий этап — голосование компетентного жюри. Ключевые критерии оценки арт-объекта — соответствие современным трендам, органичная интеграция и эстетика минимализма новой арт-инсталляции.
Произведения художников украшают не только музейные залы и частные дома, но парки и города по всему миру. Современная скульптура поражает воображение изобретательностью и экстравагантностью. Напомним 12 имен, чье искусство вызывает эмоции и артлаверов, и случайных прохожих.
1 Константин Бранкузи
Словно вылепленные из грубой глины крестьянской рукой объекты Бранкузи стали синонимом скульптуры нового XX века. А его «Птица в пространстве» изменила законодательство СШA. Ученик, покинувший Родена, затворник, герой парижского авангарда Константин Бранкузи (1876–1957) считается основоположником абстрактной скульптуры. В ней был бесконечный поиск формы и вызывающий минимализм. «То, что они называют абстрактным, — самый настоящий реализм, потому что реален не внешний вид, но идея, суть вещей», — говорил Бранкузи.
Сын румынского крестьянина Брынкуши покинул дом в 12 лет и буквально пришел пешком в Париж, где жил и работал почти всю жизнь. В 1926 году на американской границе его скульптуру «Птица в пространстве» определили в разряд «Кухонная утварь и больничные принадлежности», потребовав налог в размере 40% от стоимости. После долгого разбирательства суд вынужден был признать, «Птица» — это подлинное искусство, которое можно ввозить в США беспошлинно: «независимо от того, нравятся нам эти новые идеи и школы или нет, мы считаем, что факт их существования и их влияния на мир искусства должен быть учтен и признан судом».
Бранкузи создавал по несколько вариантов одного сюжета, объединяя их в группы. Самая дорогая на сегодняшний день его скульптура — бронзовая «Изысканная девушка (Портрет Нэнси Кунард)», отлитая в 1932 году. На торгах 15 мая 2018 года эту работу купили за 71 млн долларов с учетом комиссии.
2 Альберто Джакометти
Альберто Джакометти (1901–1966) является самым коммерчески успешным швейцарским художником в истории. Даже тот швейцарец, который не видел ни одной его скульптуры, знает и автора, и его «Шагающего человека»: они изображены на 100-франковой банкноте. А «Указующий человек» (1947) Джакометти, проданный за 141 млн долларов в 2015 году, признан самой дорогой скульптурой в мире.
«Творчество Джакометти делает для меня наш мир еще более невыносимым: настолько этот художник смог упразднить, кажется, все то, что мешало его взгляду, и показать то, что останется от человека, когда исчезнет видимость», — писал Жан Жене. Он пытался изобразить то, что не поддается изображению — невидимое, неосязаемое, лишь чувствуемое. Менял пропорции тела, искажая и доводя до абсурда представление о том, как оно должно изображаться. После Бранкузи и Джакометти никому не придет в голову работать в традиционной манере — арт-мир прочно связал себя в XX веке с модернизмом.
Уроженец страны банкиров Джакометти был совершенно равнодушен к деньгам, к «красивой жизни», и не признавал своих достижений. Сорок лет, вплоть до своей смерти он снимал в Париже помещение 23 кв. метра, в котором работал, жил, принимал гостей. Курил по две пачки сигарет в день, плевать хотел на одежду, и женился не по любви, а по настоянию матери на давней знакомой. Вдова и наследница Аннет Джакометти организовала фонд, хранящий самое полное собрание его работ (350 скульптур и 80 живописных полотен), сохранив всю обстановку мастерской, от окурка до росписей стен…
По теме: Дизайнер Диего Джакометти — младший брат самого дорогого скульптора в мире
3 Генри Мур
Сын английского шахтера Генри Мур (1898-1986) прожил долгую творческую жизнь, получив блестящее образование. В его жизни была мобилизация, отравление в газовой атаке, героизм, романтика, драма вернувшегося с войны… Его ругали в Лондоне и боготворили в Париже, где он выставлялся чаще, чем на родине. Персональная выставка Мура в Музее современного искусства в Нью-Йорке принесла ему славу одного из лучших мастеров XX века. Его скульптуры стоят у парижской штаб-квартиры ЮНЕСКО, около банка Ламберт в Брюсселе, Линкольн-центра в Нью-Йорке, на Площади Мучеников в Люксембурге…
Мур обобщал. Создавал свои композиции из камня, бронзы, железобетона, терракоты, дерева и свинца, части которых были скреплены струнами или медной проволокой. Интересовался в равной степени древним искусством (греков, этрусков, майя) и производными органического мира (костями, раковинами, камнями). Его увлекали пещеры, вымытые подземными потоками и человеческие эмбрионы; углубления, зияющие пустоты, дыры.
Мур и его жена Ирина Радецкая проявляли большой интерес к России. Дочери Мэри читали русские книги, а гостями их красивого поместья Перри-Грин были Мстислав Ростропович и Евгений Евтушенко.
Мур был всегда внимателен, он тщательно следил за судьбой всех своих работ и знал местонахождение каждой. А в 1977 году скульптор основал собственный фонд, который успешно функционирует до сих пор.
4 Сол ЛеВитт
Американский художник Сол ЛеВитт (1928-2007) говорил об «экономии» в искусстве, редуцировал и уничтожал форму: «Идея становится машиной, которая делает искусство. Идею, которая лучше выражается в двух измерениях, не следует выражать в трех. Идеи могут выражаться числами, фотографиями, словами и еще как-нибудь — так, как вздумается художнику, поскольку форма не имеет значения».
Сол ЛеВитт родился в Коннектикуте, в семье выходцев из России. Воевал в Корее, занимался графическим дизайном, учился живописи в Нью-Йорке, работал в музее МоМА и даже трудился дизайнером в мастерской у архитектора Бэй Юймина (Пея). ЛеВитт стал автором манифестов искусства 1960-х: «Параграфов о концептуальном искусстве» и «Высказываний о концептуальном искусстве», в которых он постулировал главенство идеи. «Цель художника, занимающегося концептуальным искусством, — сделать свою работу интеллектуально интересной для зрителя, и при этом не затрагивающей его душу».
Можно сказать, что как художник, Сол ЛеВитт вышел из «Черного квадрата» Малевича. Но базовой единицей он считал куб. Свои трехмерные произведения называл «структурами», многократно переставляя и умножая найденный универсальный модуль. Он не считал, что художник обязательно сам должен изготовлять свои произведения, область его деятельности — лишь идеи. Обдумав свое произведение, написав к нему инструкцию, ЛеВитт легко перепоручал его изготовление другим.
По теме: Часовня Cappella del Barolo: Сол ЛеВитт на фоне виноградников
5 Александр Колдер
Дипломированный инженер-механик Александр Колдер (1898-1976) был любимцем частных коллекционеров и международных корпораций. Мировую известность он приобрел благодаря необычным кинетическим скульптурам. Колдер изобрел «мобили» (так окрестил его скульптуры Марсель Дюшан) — стоячие, висячие, закрепленные на кронштейнах или вертикальных подставках, в виде легких пластин и прикрепленные к тонким металлическим стержням. Самый дорогой мобиль скульптора — «Летучая рыба» (1957) ушел с аукциона за 25, 9 млн долл.
Первую славу Колдеру принесли проволочные конструкции, изображающие цирк и циркачей. С одной точки это узнаваемые фигуры, с другой — клубки сухожилий, с третьей — силовые линии движения, как на картинах футуристов. В поздний период Колдер сосредоточил свои творческие усилия на создании монументальной статической скульптуры из окрашенного металла. Самые известные работы — «125» в международном аэропорту Джона Кеннеди в Квинсе (1957), «Спираль» для ЮНЕСКО в Париже (1958), «Красное солнце» у стадиона Ацтеков в Мехико.
Работоспособность этого художника была поразительной. Кроме скульптур, Александр Колдер создавал театральные декорации, картины, иллюстрации, открытки, разрисовывал самолеты и всю жизнь делал украшения. Его творческое наследие насчитывает 22 000 работ.
6 Луиза Буржуа
«Я делаю, я уничтожаю, я переделываю» — так называлась первая большая выставка Луизы Буржуа (1911-2010) в лондонской Tate Modern в 2000 году. Творчество «великой и ужасной» Буржуа — о чувствах гнева, вины и страха. «Мои эмоции несоразмерны моим габаритам. Не сами эмоции, а их сила — она просто непереносима для меня. Поэтому я отдаю их энергию скульптурам». Главные темы — травматический опыт детства и гендерные проблемы. В ранние годы Луиза стала свидетельницей супружеских измен отца, пережила смерть матери, попытку самоубийства и сложные отношения с родственниками.
В 1938 году она вышла благополучно замуж за американского искусствоведа Роберта Голдуотера и переехала в Нью-Йорк. Вплоть до самой смерти мужа в 1974 году она отдавала свои силы не только искусству, но и воспитанию троих сыновей. Что никак не повлияло на тему ее творчества. Буржуа — пример художника, мифологизировавшего факты собственного детства, прошлые навязчивые идеи и кошмары.
Популярность и славу Луизе принесли металлические «пауки», которые она посвящала матери, «уравновешенной, умной, терпеливой, рассудительной, утонченной, проницательной, незаменимой, аккуратной и полезной, как паук». В 2006 году Буржуа стала самой высокооплачиваемой женщиной-художницей, после того как ее скульптура «Мама» была продана на торгах за 4 млн долларов.
7 Аниш Капур
«Облачные врата» британца Аниша Капура (р. 1954) в Чикаго — одни из самых узнаваемых арт-объектов мира. Автор известен по обе стороны Атлантики, не меньше чем Джефф Кунс: его произведения есть сегодня в каждом крупном музее современного искусства, а цены на его отдельные шедевры превышают 1 млн долларов. Работы Аниша Капура вызывают отвращение и восторг, причем иногда одновременно.
Имя Капура крепко связано с Олимпиадой и Версалем. К Олимпийским играм в Лондоне 2012 года он соорудил 120-метровый объект Orbit — самую высокую скульптуру в Великобритании, со смотровой площадки которой можно было спуститься по туннельной горке. А во французском Версале разместил объект, которые журналисты окрестили вагиной Марии-Антуанетты.
Художник не устает расширять палитру материалов: он работает со стекловолокном, стеклопластиком, сталью, гранитом, цветным воском. Капур приобрел права на использование самой черной краски в мире: высокотехнологичный материал, из которого сделан пигмент, поглощает 99,6% света, что приближает его по свойствам к черной дыре. Формы капуровских скульптур, как правило, просты, имеют плавные контуры, ярко окрашены в один цвет. Зачастую он использует зеркальную поверхность, которая искажает, отражая окружение и самого зрителя.
По теме: Аниш Капур: скульптура из стекла Lalique
8 Эрвин Вурм
Сын полицейского австрийский скульптор, фотограф, режиссер, автор ироничных и эпатажных объектов Эрвин Вурм (р. 1954) называет себя родоначальником One Minute Sculpture — смешанного жанра, который объединяет перформанс и скульптуру. По утверждению автора, он работает с «пограничными» состояниями — краткими моментами между движением и статикой.
Вурм — автор сплющенных домов, раздутых автомобилей и целующихся сосисок. Вурм деформирует здания, катера, тела людей — все, к чему прикасается. «Для меня было интересно эстетизировать агрессию и показать ее с помощью своих работ. Именно поэтому я деформировал машины, знаменитые здания вроде Музея Гуггенхайма и, конечно, человеческие тела». Но Вурм не смеется, он высмеивает и возмущается. «Мир помешался на гигантских глянцевых объектах, все стало качественнее, больше, и это уже просто невыносимо, надо с этим что-то сделать».
Скульптуры Вурма — это история про общество потребления, глобализацию, глянец. Он начинал в 1980-е. С годами его арт-объекты стали интернациональнее, а вызовы сложнее. Так для Венецианской арт-биеннале в 2017 году Эрвин Вурм подключил инженеров Горьковского автозавода. Согласно замыслу, грузовик ГАЗ стоял вертикально на кабине, а в его кузов была встроена лестница, по которой посетители могли подняться на смотровую площадку.
По теме: Паблик-арт Эрвина Вурма: австрийское искусство в Гавре
9 Ричард Серра
Многотонные, многометровые минималистичные стальные инсталляции Ричарда Серры (р. 1939) подобны архитектурным объектам. В его творчестве есть арки, дуги, спирали, трусы. Как опытный проектировщик Серра тщательно планирует сценографию для своего зрителя: входы, проходы, маршруты, выходы, точки обозрения, звук и свет…
Профессиональный художник, выпускник Йеля, стажировавшийся во Франции и Италии, Серра сначала создавал скульптуры из вулканизированной резины и неоновых трубок, затем пришел к листовой стали, закручивая этот брутальный материал вихрями и спиралями. «Мои работы не являются декорациями, иллюстрациями или отображениями места. Они становятся частью места и переструктурируют его организацию с точки зрения концепции и восприятия».
Одна из его работ — Tilted Arc (1981) в Нью-Йорке — получила особую славу. Она была демонтирована по решению американского суда. К ней были применены следующие претензии: слишком дорого обошлась налогоплательщикам, закрывает вид на часть площади, отбрасывает угрожающие тени, на ней все время рисуют граффити. А поскольку «Арку» нельзя было перенести или перепродать, демонтаж был равносилен уничтожению. Слушания «по делу Арки» проходили в 1985 году: 122 человека были против демонтажа, 58 проголосовали за, но скульптуру все равно демонтировали.
10 Марк Куинн
Марк Куинн (р. 1964) — неотъемлемая часть истории Young British Artists («Молодые британские художники»), начавшейся с саатчиевской выставки Sensation в 1992 году, где Марку Куинну удалось не потеряться на фоне Дэмиена Херста, Трейси Эмин и прочих провокаторов. Его лозунг — никакой романтики. Его искусство намеренно реалистичное, холодное, расчетливо сделанное, технологичное, выигрышно смотрящееся в кадре. Он хорошо понимает когда надо посвятить работу инклюзивности, а когда проблемам миграции. Он циничен, и он шокирует.
В 2000-м художник представил инсталляцию Garden — 1000 растений и цветов со всего мира были погружены в 25 т силикона: показанные в самом расцвете и заживо мумифицированные как экспонаты кунсткамеры. Одной из визитных карточек скульптора стали изображения людей без конечностей. Куинновский шедевр — проект для Трафальгарской площади: на пьедестал он поместил статую безрукой и безногой от рождения художницы Элисон Лэппер в последней стадии беременности.
Про художника, поднимающего «проблемы жизни и смерти» можно сказать, что его интересуют две дисциплины — история и биология, человеческая кровь и человеческое тело. В августе 2008-го Куинн представил в Британском музее работу, изображающую Кейт Мосс под названием «Сирена». Скульптура в натуральную величину позиционировалась как «самая большая золотая статуя со времен древнего Египта». Позднее, в 2014 году художник установил еще одну статую Кейт Мосс, но уже в другой позе, в Сингапуре.
11 Жауме Пленса
«Скульптуры — это лучший способ задать вопрос», — считает Жауме Пленса (р. 1955). Каталонский скульптор, известен благодаря своим огромным фигурам из букв, прозрачным сетчатым и сплющенным головам, установленным в парках и отелях по всему миру.
Пленса — художник ощущений, размышлений и идей. Его художественный код — это легкость, прозрачность в использовании тяжелых материалов, экзистенциальные мотивы, исследование взаимоотношений человека и природы. В США, где Жауме провел более 30 лет, в 2004 году в Millennium Park он представил один из своих самых грандиозных проектов — интерактивный «Краун фонтан» — видео-инсталляцию, размещенную на огромных экранах-фасадах, из которых выплескиваются струи воды.
Зачастую художник изображает в своих скульптурах самого себя. Одна из самых известных работ — «Сердце деревьев» (2007), в которой зритель сталкивается лицом к лицу со скульптором. «Скульптура — нечто эпичное. В таком противостоянии и заключается красота этого искусства. Я начинаю работать с фотографией, потом изображение переходит в камень, камень — в бронзу. Я работаю с материалами, они понемногу утрачивают запах, память, но все же доносят ее до нас».
12 Тони Крэгг
Динамичные скульптуры Тони Крэгга (р. 1949) любят и коллекционеры и декораторы. Закрученные спирали из дерева, металла, абстрактные композиции из пластика и кевлара вошли в частные собрания от Нью-Йорка до Бейрута. Их хранят ведущие художественные музеи мира, они стоят на площадях и улицах городов Европы и Америки.
Ректор Дюссельдорфской академии художеств британский скульптор Тони Крэйг с 1977 года живет и работает в Германии. Здесь, под Вупперталем открыт роскошный парк его скульптур. Старт карьеры скульптора совпал с панк-революцией 1970-х годов, которая превратила никому не нужные материалы в моду, а крики протеста — в музыку. Крэгг делал серию скульптур, в которых экспериментировал с протестными дешевыми материалами, работал с мусором, соединял друг с другом старые столы, полки, буфеты, а получившиеся сооружения обивал тканями. Позднее стал использовать более традиционное и благородное дерево, бронзу и мрамор.
Скульптуры Тони Крэгга часто сравнивают с произведениями первобытного искусства, кажется, что их аналоги можно найти в археологических музеях или учебниках палентологии. Как признается сам Крэгг, одной из основных идей создания таких произведений искусства является именно их абсолютная бесполезность. Это попытка зафиксировать нечто нематериальное, быстро ускользающее и постоянно меняющееся.
