Арт-критик Марина Ширская — о дефиците смыслов на Milan Design Week 2026
10 мая 2026 г.
Критик и куратор Марина Ширская побывала на Milan Design Week 2026 и поделилась с INTERIOR+DESIGN парадоксальным наблюдением: выставка кажется крайне «скучной», но именно отсутствие привычных вау-эффектов сигнализирует о том, что подход к дизайну в мире стал более сложным и требовательным как к авторам, так и к зрителю
В 2026 году Миланская неделя дизайна оставила неожиданно сдержанное впечатление. Не потому, что стало меньше проектов, наоборот, их по-прежнему слишком много: огромные очереди, плотный календарь, закрытые статусные вечеринки, бесконечные попытки произвести впечатление. Но именно это и начинает утомлять. Интересные проекты можно было пересчитать по пальцам одной руки, и в основном это были материало-ориентированные исследования. Эффектов становится больше, а смысла — меньше. Удивление повсюду, но оно обесценилось.
По теме: Арт-критик Марина Ширская: как PAD Paris пересобирает историю дизайна
На этом фоне особенно заметны те, кто выбирает другую стратегию. Loewe, чьи проекты основаны в первую очередь на ремесле, долгое время были одними из самых ожидаемых компаний на смотре, но в этом году они вовсе отказались от участия. WonderGlass, напротив, присутствовали, но почти незаметно, с камерной инсталляцией внутри партнерского архитектурного бюро при полном отсутствии навигации. И это можно трактовать по-разному, но, на мой взгляд, это скорее попытка дистанцироваться от общей конъюнктуры, своего рода отказ играть в обязательную видимость.
Это, кажется, и есть главный сдвиг. Визионеры как будто решили отказаться от желания удивлять и обратились к монотонности и дисциплине. Показательный пример — инсталляция Hermès. Обычно поражающий масштабом, цветом, ощущением чего-то невероятного проект (дух захватывали их павильоны, облицованные яркой вручную изготовленной плиткой (2021), или разноцветные бумажные фонарики размером с небольшой дом (2022) в этом году перед зрителями предстал в виде почти пустого монотонного пространства с квадратными платформами-столбами разной высоты. Таким образом Hermès иллюстрировал работу ремесленника — монотонный труд, без которого не добиться высшей степени мастерства. По части же представленных объектов это была инсталляция, где смысл спрятан в нюансах, в точности соединений, в сложности ручного труда, в едва заметных переходах цвета. Чтобы осознать ценность такого подхода, необходима остановка и сосредоточенное внимание.
Та же логика проявляется в ремесленных проектах вроде Homo Faber и Doppia Firma, где не было ярких суперэффектных работ. Зато художник по стеклу, демонстрируя созданный ею объект, рассказала, что, помимо скульптуры, придумала с мастером-краснодеревщиком хитрой конфигурации кофр для своей работы. Тот случай, когда после разговора с автором приглядываешься к объекту — и никаких иных ощущений, кроме восхищения, не остается. Ремесло больше не пытаются предъявить как нечто эффектное, оно становится процессом, часто скрытым, требующим расшифровки. Объекты выглядят сдержанно, но за этой сдержанностью стоят сложные цепочки производства и навыки. Отсюда и важность повторения — в повторах заключена дисциплина как способ мышления.
Параллельно возникает еще одна линия, связанная с интересом к науке и природе, причем не как образу, а как системе. Проекты In Between Matter от We+ и Lesson in Relations: Dialogue with Trees #100 от Takt project показывают, как дизайнеры работают с невидимыми процессами: границами между веществами, ростом, структурой, взаимодействием. Инсталляция We+ переводит сухие научные данные в чувственный опыт, позволяя физически ощутить «неуловимые состояния» материи, которые обычно скрыты за логикой измерений. Проект Takt project Сатоши Иошиизуми (Satoshi Yoshiizumi) — это урок японского внимательного соавторства с живой средой и способ работать с природными формами с несвойственным европейцам тактом. Если раньше дизайн заимствовал формы у природы, то теперь он пытается воспроизвести ее логику. Эти студии работают не с прямой имитацией, а с моделированием и с настройкой чувствительности.
В итоге, мне кажется, мы получили очень четкий сигнал. Дизайн пытается уходить от громких вау-эффектов к тихим процессам, от формы к системе, от результата к наблюдению. Он становится менее зрелищным, но более внимательным. И, возможно, именно поэтому кажется «скучным», так как требует другого взгляда, сосредоточения, внимания и анализа. И, возможно, ощущение «скучности» связано не с отсутствием идей, а с тем, что они больше не лежат на поверхности.
